Stéphane Braunschweig
Stéphane Braunschweig was born in Paris in 1964 and is one of Europe’s best-known theatre directors. He studied Philosophy at the École Normale Supérieure and subsequently attended the Théâtre National de Chaillot’s theatre school where he studied directing under Antoine Vitez. He has directed numerous stage productions all over Europe for the company he founded in 1988 Théâtre-Machine – predominantly classic plays and especially German writers such as Brecht, Büchner and von Horváth.
After running the Centre dramatique national d’Orléans from 1993 to 1998, Braunschweig became Artistic Director of the Théâtre National de Strasbourg (TNS) in July 2000, where he directed productions of Chekhov, Kleist, Ibsen, Molière and others. He also regularly directs productions for major European opera houses such as Paris, Brussels, Venice, Milan and Berlin: works by Mozart and Verdi alongside those of Bartók, Berg, Janáček and Strauss. From 2006 to 2009 in collaboration with Sir Simon Rattle he created Wagner’s Ring cycle for the Festival in Aix-en-Provence and the Salzburg Whitsun Festival.
Since January 2010, Braunschweig has also been working as Artistic Director of the Théâtre La Colline in Paris, the newest of France’s five national theatres. Here he initiated the internationally-orientated “artiste invité” programme, whose first guest was Michael Thalheimer.
Braunschweig is a past winner of the Prix de la révélation théâtrale de l’année and has twice been awarded the Prix Georges Lerminier.
In Germany, in addition to his work in opera and musical theatre, he is principally known for his production of Woyzeck at the Bayerischer Staatsschauspiel in Munich (with Udo Samel), for which he was awarded the 2000 Bayerischer Theaterpreis. His production of Ibsen’s Ghosts, which he produced in 2003 at the Théâtre National de Strasbourg in German with actors from Schauspiel Frankfurt, was presented as part of spielzeit’europa 06|07.
Plays
Interviews/materials
Exberliner, 12/2011
The real world is difficult to recognize
He claims to be saving them from themselves. Taking them out of their drug-laced urban lives and locking them in a basement on the outskirts of town. But how do his prisoners respond to this extreme intervention? Norwegian playwright Arne Lygre's Days Beneath presents this spine-tingling narrative in a minimalistic, yet riveting evening of theater. And at the helm of the German-language premiere is one of France's most buzz-worthy directors, and artistic director of La Colline – théâtre national, Stephane Braunschweig. Known for his essential takes on classics like Wagner, Brecht and Büchner, this production marks the French director's second appearance at the Haus der Berliner Festspiele's Spielzeit'Europa. Exberliner caught up with him during rehearsals in Dusseldorf to discuss contemporary theater, the internet and the Norwegians.
by Summer Banks
You've worked with actor Udo Samel on both Woyzceck (1999) and Norwegian playwright Henrik Ibsen's Ghosts (2003 and 2006). What's it like working with him for a third time.
As a director I always like to work with the same actors again because I think it allows us to go deeper and deeper. It has to do with trust, which I think is important for good work. I must say, we wanted to work together again but he had no time and I had no time and then, when I read this play, I thought immediately, “That would be a good part for him and that's the reason I'd like to do it.”
What is Samel's role in this production?
The Besitzer (owner) is somebody who takes people to get them out of dependence on drugs using violence. But he is doing that for their own good. He obviously wants to be good to them but he doesn't choose the right method. He is good and evil together, a very complex character. That's what I like about Lygre's plays: you can’t just say the character's crazy. You always have to readjust your point of view on the character and even during the play I think the audience has to change their mind about him many times.
Did the events of the summer in Norway, and Anders Brevik's recent insanity plea, affect the way you see the play?
In Norway the people always think that nothing can happen there, because it's a small country with rich towns, and then suddenly it happens. I did another Lygre play in Paris – his most recent one, I Disappear. The connection with what happened this summer is really strong, but the play was written last year. (With Lygre) you get this feeling of what our world is, and what the questions we are confronted with.
What do you see as Lygre's place in the development of contemporary drama?
We need new plays, not only with strong plots; we need new forms of writing. I think that's very strong in Lygre: There are a lot of violent elements in it that are never really shown on stage. I like that it has to do with violence, but that the way of performing is not violent.
There is also a kind of distance and a humor to it. It eliminates the difficulty of differentiating between the real and fantasy in his theater. This has to do with our difficulty as people to be in reality, now everything is virtual with the internet and television. The real world is difficult to recognize, and I think this theater relates to that.
How do you approach directing such a play?
We don't play realistic and naturalistic; we try to be very essential so that it has bones. The characters move only when they need to move. I always work in a very concrete and emotional style. For the audience, it's way to go through feelings, through emotions, and I'm happy when the emotions bring up some existential questions for the audience.
Why is going to the theater still important for 21st century society?
I think theater brings, to each person coming to see it, a very personal and individual experience, but in a common place. Everybody has this need to be a person and, at the same time, to be part of a society and to understand that each personal point of view is relative to another.
How have your first two years at the Theater La Colline gone?
In Strasbourg, it's a big theater in a quite small city and it was easier to have a good relationship to the audience. In Paris it's quite different because it's a big, big city and there's a lot on offer. La Colline is a theater dedicated to new authors and new forms. There is a quite young audience coming to us and they know they will find something, a new experience and I am glad to provide that.
Ein Gedankenaustausch mit Stéphane Braunschweig
Das Gespräch führte Anne-Françoise Benhamou, September 2011 (Übersetzung : Cordula Brucker)
Arne Lygre – Eine Kontaktaufnahme
Wahrscheinlich muss man mehrere Stücke von Lygre gelesen haben, um zu begreifen, welche Stärke seinen Konstruktionen zugrunde liegt und von welch besonderem Wesen seine Schreibweise herrührt.
Als ich zum ersten Mal Mann ohne Aussichten las, erinnere ich mich, von den unterschiedlichen Sprachebenen fasziniert gewesen zu sein, und andererseits auch ein wenig enttäuscht darüber, dass die Hauptfigur nach zwei Dritteln des Stücks nicht mehr präsent war. Als ich dann weitere Stücke von Lygre gelesen hatte, insbesondere Tage unter und Ich verschwinde – beides Stücke, die ich in dieser Spielzeit inszenieren werde – wurde mir bewusst, dass der Autor einem immer wiederkehrenden Prinzip folgt, wenn er die Hauptfigur verschwinden lässt und das Stück ohne sie fortsetzt. Das Verschwinden der Figur „Besitzer'' in Tage unter lässt zu, dass sich die Beziehungen zwischen den drei anderen Figuren mit dessen Abwesenheit neu gestalten: was wird aus dem Spiel, wenn derjenige, der die Fäden in der Hand hält, verschwindet? Was passiert mit dem Plot, wenn dessen zentrale Figur eine Leerstelle hinterlässt? Mit dieser Situation, man könnte auch sagen, mit diesem Experiment, konfrontiert uns Lygre. Mit einer ihm ganz eigenen, besonderen Ironie, die man Schritt für Schritt entdeckt. Man bemerkt also, dass seine Stücke weit mehr von spielerischen und humoristischen Elementen durchzogen sind als es jene Extremsituationen, in welche er seine Figuren platziert, zunächst vermuten lassen.
Geschichtslos?
Vor jener Katastrophe, die sie zur Flucht zwingt, haben die Figuren von Ich verschwinde ein banales Leben geführt, ohne Geschichte... Im Zuge der Ereignisse diesen Sommers in Norwegen – das Morden von Utoya – hörte man wie dort die Menschen im Fernsehen voller Verwirrung sagten: und so etwas ist unserem Land widerfahren, in dem doch sonst so gut wie nichts passiert... Als ob es für die Norweger selbst so etwas wie ein Gemeinplatz wäre, dass sie einem Land ohne Geschichte, ohne Dramatik angehörten. Und dies ist auch ein immer wiederkehrendes Moment in Lygres Stücken: Menschen ohne Geschichte, solche, die sich bemühen, eine zu bekommen. In Tage unter sammelt die Figur „Besitzer'' junge verlorene Menschen auf, sperrt sie zum Drogenentzug ein und macht sich daran, ihnen eine Geschichte zurückzugeben. Und dabei wird einem klar, dass er selbst mit seinem alten Leben gebrochen hat, um sich eine neue Geschichte zu schmieden. Für bestimmte Figuren bedeutet, eine Geschichte zu bekommen auch den Gewinn einer eigenen Identität, für andere bedeutet es im Gegensatz dazu, dass die eigene Identität ins Wanken gerät.
Rollenspiele
In seiner ersten Regieanweisung von Tage unter erklärt Lygre, dass die Figuren in seinen „Hyperrepliken'' (welche er fett gedruckt erscheinen lässt) in der dritten Person über sich selbst sprechen.
Dieses Schreib-Prinzip wohnt all seinen Stücken inne, wenn auch in unterschiedlicher Ausführung. Ich habe den Eindruck, dass der Schauspieler sich in diesem Moment nicht etwa von seiner Rolle distanziert, sondern es kommt mir fast so vor, als würden alle Figuren gerade dadurch mit der Tatsache, dass sie eine Rolle spielen, konfrontiert. Diese Entzerrung zwischen „Ich'' und „Er'' macht sie zu Schauspielern ihrer selbst, Schauspielern ihres Lebens, sie betrachten ihre Figur auf der Bühne der Welt. In Ich verschwinde haben sie sogar eine dritte Ebene ihrer Existenz (im Dialog durch Kursivdruck hervorgehoben): Augenblicke, in denen sie sich in andere Figuren hineinprojizieren, in Rollenspiele – im Zuge ihres Exodus schaffen sich die beiden Frauen ihre eigenen Texte und sprechen miteinander, als seien sie diese andern, die sie sich gerade vorstellen. In anderen Stücken wie Tage unter geschieht das weniger explizit, aber Lygre vermittelt einem immer ein wenig den Eindruck, dass die Menschen in Rollenspielen gefangen seien. Als bestünde die Welt aus all diesen virtuellen Ichs.... Man könnte dabei an die Avatars aus Videospielen denken; aber auch an das Theater: im Grunde besteht das Theater ausschließlich aus virtuellen Ichs.
Musikalität
Was mir an dieser Schreibweise besonders gut gefällt, ist die Zusammenführung einer extremen formalen Strenge und einer Freiheit im Aufbau, im Erfinden: es gibt etwas wie eine Mathematik des Schreibens, die auch von Musikalität geprägt ist – so wie man bei Bachs Kompositionen von Mathematik spricht; und es gibt etwas Spielerisches. Ein Stück wie Tage unter folgt einerseits einer sehr strengen Struktur und gleichzeitig etwas sehr Freiem und Leichtem. Und diese in sich paradoxe Empfindung gefällt mir sehr gut.
Lygre entwickelt ein Spiel um Identität und um Differenzen, um Themen und seine Variationen und dies auf einem sehr ausgefeilten Sprachniveau. Dieselben Motive tauchen immer wieder auf, jedoch um Unterschiede aufzuzeigen, um die Positionen neu zu sortieren: In Ich verschwinde steht der Monolog jenes Mannes, der den zweiten Teil des Stückes ankündigt, in absoluter Symmetrie zum Eingangsmonolog der Frau, von kleinen Abweichungen abgesehen. In Tage unter findet man von einer Szene zur andern ganze Dialog-Fragmente wieder; aber wie in einem Dominospiel, hat eine Figur den Platz der anderen eingenommen: zum Beispiel der Dialog der Figur „Mädchen'' mit der Figur „Besitzer'' gibt identisch den Dialog, den jener mit der Figur „Frau'' führte, wieder – obgleich es sich um eine völlig andere Beziehung zwischen den beiden handelt; man hört die selben Repliken wieder, aber die Situation hat sich geändert und so ist die Unterschiedlichkeit, die in der Wiederholung liegt, das, was uns verblüfft.
Humor
Bei Lygre findet man viel Humor, der üblicher Weise jedoch nicht auf den ersten Blick erfahrbar wird... Es handelt sich um einen ungewöhnlichen, sehr eigenen Humor, einen Sinn für Spielerisches, der ihm zu einer gewissen Distanz zu seinen Subjekten verhilft, und den man in der aktuellen Gegenwartsdramatik nicht allzu oft vorfindet.
Viele, die das Stück lesen, sind zunächst von seinen dunklen Elementen getroffen; das geht mir ganz anders. Was mich berührt ist, dass es zweifelsohne von extremen, tragischen Situationen erzählt, manchmal sogar in Richtung trash geht, was in der Gegenwartsdramatik ja keine Seltenheit ist; das formale Spiel bringt es jedoch auf ein ganz anderes theatrales Niveau und schafft Raum für Humor. Für mich ist das enorm wichtig, weil es durch diesen Humor möglich wird, eine kritische Distanz zu wahren und die Dinge zu hinterfragen. Es handelt sich dabei keinesfalls um eine Form von Theater, die einen absorbiert, sondern vielmehr eine, die jeden Einzelnen von uns vehement mit seiner eigenen Individualität, seinem einzigartigen Standpunkt konfrontiert.
Erkundungen
Lygre sagt, dass wenn er beginnt, ein Stück zu schreiben, er nicht genau weiß, wohin er gehen wird: das kann anfangs zu sehr stark strukturierten Texten führen, er nimmt die Hypothesen genau unter die Lupe. Der Gedanke, virtuelle Welten zu durchkreuzen, ist bei der Dynamik dieser literarischen Handschrift stets ein wesentliches Element. Jede einzelne Textsequenz – von Szenen kann man nicht wirklich sprechen – kommt der Erkundung einer Virtualität gleich, das Schreiben selbst ist eine Erkundung dieser Virtualitäten. Dabei ist es stets mit der phantasmatischen Landschaft des Autors in Verbindung zu sehen. Da die Figuren jedoch selbst die Autoren ihrer Hyperrepliken und Rollenspiele sind, werden sie selbst zu zentralen Trägern von Projektionen des Autors. Damit werden wiederum auch wir mit unseren Projektionen auf Extremsituationen konfrontiert, welche in diesen Stücken präsent sind. Diese theatrale Form steht in sehr intensivem Kontakt zum Zuschauer: die Hyperrepliken unterbrechen die Darbietung und bringen sie durcheinander, sie wirken frustrierend, weil sich eine andere Erwartungshaltung aufgebaut hatte, und so spielen sie mit unserer Frustration. Dieses Stück befragt den Zuschauer sehr sensibel in Bezug darauf, was er gerne sehen möchte und, was ihn ängstigt, welche seine Erwartungen sind und, was er aus seinem Kanon an visuellen Bedürfnissen verdrängt.
Einsamkeit
Eines der ganz grundlegenden Themen in Lygres Stücken ist das der Einsamkeit. Dabei handelt es sich um keine situative Einsamkeit, denn die Figuren sind oft zusammen – und das selbst wenn die einen von den andern eingesperrt wurden oder sie sich in einer gemeinsamen Situation des eingesperrt seins wieder finden. Aber sie sind mit einer tiefen Einsamkeit konfrontiert, da sie von ihren jeweiligen Standpunkten in keinster Weise abrücken: die eigene Lebensform ist oftmals inkompatibel mit der des andern. Das ist wirklich ein ganz grundlegendes Thema dieser Dramatik: dass man den Standpunkt des einen nicht auf den eines anderen zurückführen kann.
Bei Tage unter ist es ganz offensichtlich, es ist sogar eines der zentralen Themen dieses Stücks: alle Menschen auf den eigenen Standpunkt hin zu eichen, genau das wollte die Figur „Besitzer'' und dieses Vorhaben löst sich in keiner Weise ein.
Die meisten Figuren bei Lygre haben eine Seite, die ins Wahnhafte geht, was auch damit zusammenhängt, dass sie sich über das eigens Gesprochene definieren. Da wir es ja hier mit einer Form von Theater zu tun haben, welche Identitäten hinterfragt, müssen diese über ihre jeweiligen Satzstrukturen immer wieder zu ihrer Neudefinition finden. Dieses Spiel aus Wiederholungen und Abweichungen ist Teil ihrer irdischen Existenz – ihres Daseins auf der Bühne... Es steht in Zusammenhang mit der Art und Weise wie die Identitäten aufeinander prallen, wie sie ins Wanken geraten, wenn sie zueinander in Kontakt treten, ohne sich jedoch gänzlich im andern zu verlieren.
Emotionen, Fragen
Diese theatrale Form birgt ein ungeheuer starkes emotionales Potential; jedoch eine Emotion, welche Fragen generiert, Bestehendes befragt, problematisiert... Unter diesem Aspekt steht Lygre durchaus in der Brecht’schen Tradition. Und in der von Ibsen: bei Ibsen kann eine Figur, die für die Wahrheitssuche einsteht, einer anderen gegenübergestellt sein, welche den Standpunkt vertritt, das Leben bedürfe eines Quantums an Lüge; die Figuren stehen exemplarisch für eine bestimmte Gesinnung. Diese philosophischen Gesinnungen beziehen sich bei Lygre auf das Leben als solches: eine Gesinnung kann tragisch, weniger tragisch, absolutistisch, pragmatisch, pessimistisch, optimistisch etc. sein.
Diese Gesinnungen findet man bei den jeweiligen Figuren nicht zwangsläufig auf einem intellektualisierten Niveau wieder. In Tage unter, einem Stück, das sich meines Erachtens durch Handlungen herstellt, durch tatsächliche Spannungsmomente, steigen die Figuren selten auf der Reflexionsebene ein, suchen selten nach Formulierungen, sondern drücken sich mittels stehender Sätze aus, die nach und nach bedingt durch die Situation zu bröckeln beginnen. Neulich sagte ich zu Udo Samel: siehst du, in jenem Moment, in dem deine Figur zu reflektieren beginnt, und damit erstmals Zweifel hegt, stirbt sie – das ist auch ein Hinweis für den Schauspieler und seine Spielweise; man soll also auf keinen Fall zu viel nachdenken....
Sprache der Benennungen
Es finden sich bestimmt auch verwandte Momente mit dem Theater von Jon Fosse: eine Schreibweise, die auf das Minimale setzt, ein Raum-Zeit Verhältnis, das sich nicht klar konturiert, die Tendenz, sich vom Realen weg in die Abstraktion zu bewegen – ein symbolisches Gefüge. In Fosses Minimalismus scheint mir jedoch die Stille ein ganz wesentliches Element zu sein: Es scheint, als sei der Text von der Stille ummantelt. Bei Lygre hat die Sprachgestaltung eine andere Funktion: es geht um das Benennen – ich denke, dass die Sprache bei ihm benennt; und daher kommt der Stille viel weniger Bedeutung zu. Wichtig ist die Art und Weise, in der die auf der Bühne gesprochenen Worte eine Realität zeichnen – ich glaube, dass die Vorstellung von einer Zeichnung sehr wichtig ist, im Gegensatz zu dem, was der Malerei gleichkommen würde – eine auf Realismus gegründete Schreibweise.
Mit Dank an das Théâtre National de La Colline, Paris; © spielzeit’europa | Berliner Festspiele
